Archivo para 26 febrero 2010

26
Feb
10

Unidad Didáctica 02: Axonometría

1. INTRODUCCIÓN

1.1 Contexto:

– De trabajo: barrio. Nivel socio-económico.

– Descripción del centro: La actividad se realizará en el Colegio Salesiano de Utrera Ntra. Sra. del Carmen  en Utrera

– De ciclo y nivel: La actividad se realizará con alumnos de 1º de Bachillerato de dicho centro

– De alumnado: Grupo formado por 15 alumnos mayoritariamente con edades comprendidas entre los 16-17. Los alumnos provienen de 4º de eso técnico y poseen capacidades básicas de uso de materiales de dibujo( escuadra, cartabón, compás y escalímetro). En su mayoría pretenden realizar selectividad por la especialidad de bachiller tecnológico.

– De aula: Se va a desarrollar en un aula con mesas de dibujo y taburetes y orientadas hacia un entarimado de  madera sobreelevado en el que se situará el profesorado. Pero al no estar fijo podremos moverlos si fuese necesario.

1.2 Fundamentación:

– Planteamiento. Reflexión global y justificadora del tema propuesto.El correcto manejo de la Unidad Didáctica será fundamental para cumplir nuestras funciones como docentes.

El correcto manejo de la Unidad Didáctica es importante para la completa y ordenada función de enseñanza-aprendizaje que va a realizar en el futuro el alumnado de este máster

– Fundamentación teórica y punto de vista.

– Conexión interdisciplinar y transversal:  Con ella se aprenderá a organizar contenidos  para que los alumnos puedan comprenderlos en su totalidad el contenido de estas sea cual sea el campo para el cual estemos realizándolas.

2. OBJETIVOS

2.1. Generales:

Aprender a representar la realidad mediante perspectiva Axonométrica

2.2. Específicos

• Dimensión apreciativa:

– Asimilar el manejo en el sistema de referencia de coordenadas

• Dimensión productiva:

– Producir objetos en perspectiva caballera

• Dimensión senso-perceptiva:

– Mejorar visión espacial

• Ideas transversales:

– Fomentar capacidad de trabajar en grupo.

– Fomentando en el alumno la reflexión, el análisis, la síntesis y la creatividad.

– Uso de nuevas tecnologías

3. COMPETENCIAS

Competencia matemática.

Competencia cultural y artística.

Competencia con el conocimiento y la interacción con el mundo físico.

Competencia social y ciudadana.

Competencia para aprender a aprender.

Competencia en comunicación lingüística

Autonomía e iniciativa personal.

4. CONTENIDOS

Conceptuales:

-Conocimiento del sistema de referencia

-Aplicación de la reducción en ejes

-Acotación en el espacio

-Sección de cuerpos con un plano

-Formas básicas en axonométrico

Procedimentales.

Técnicas de dibujo de axonométrico

Actitudinales:

-Sistema axonométrico en nuevas tecnologías

-Utilidad laboral

5. METODOLOGÍA:

5.1. Características Generales

-De cada uno de los contenidos realizaremos una exposición magistral en la que expondremos los diferentes contenidos, además de estos se explicará a los alumnos los diferentes objetivos que se intentan obtener.

Esta exposición será activa, participativa, integradora, abierta y flexible. Para ello comenzaremos cada exposición realizando una serie de preguntas con las que se intentarán conocer las ideas previas que tienen los alumnos, con el fin de propiciar la reflexión y motivar la participación (nivel evolutivo del alumno).

Las preguntas podrán realizarse al final de cada sesión para motivar el uso de nuevas tecnologías como fuente de información, con el fin de interesar al alumno en el objeto de estudio y de conectar los nuevos conocimientos con los previos.

Al comienzo de la siguiente sesión se hará una puesta en común para propiciar la creación de conclusiones personales. De esta manera la puesta en práctica de sus conocimientos teóricos.

Esta actividad favorece la interacción entre alumnos-alumnos y alumnos-profesor

La exposición teórica irá apoyada con medios audiovisuales-

-Actividades pácticas en el aula

Podrán ser realizadas en grupo o de forma individual dependiendo de la naturaleza del contenido a tratar.

Con las actividades individuales se pretende potenciar la capacidad de trabajo, la reflexión, desarrollo de capacidades senso-perceptivas, análisis, sintesis y asimilación.

Con los trabajos en grupos pequeños se intenta favorecer la reflexión en grupo, el trabajo en equipo, la tolerancia, solidaridad, integración y la interculturalidad.

5.2. Actividades

5.2.1. Brainstorming

-Dibujo de formas básicas(láminas)

-Realización de maquetas de objetos básicos(cartón)

-Levantamiento de volumen a través de proyecciones básicas, y su opuesto.

-(Trabajo en grupo) Unión de maquetas para crear entidades más complejas, en concreto, para realización de un diseño de una portada de feria andaluza.

-Juego de construcción de madera

– Realización de ejercicios en axonométrico

-Exposición magistral con apoyo visual de nuevas tecnologías

-Realización de ejercicios con programa de creación 3D

-Diseño de piezas complejas con formas básicas

-Coloquio (¿Qué han aprendido? ¿Qué dificultades han encontrado?

-Montaje de mueble de IKEA con las instucciones

5.2.2. Selección de actividades y de su orden de realización

-Dibujo de formas básicas(láminas)

-Realización de maquetas de objetos básicos(cartón)

-Levantamiento de volumen a través de proyecciones básicas, y su opuesto.

-(Trabajo en grupo) Unión de maquetas para crear entidades más complejas, en concreto, para realización de un diseño de una portada de feria andaluza.

-Juego de construcción de madera

– Realización de ejercicios en axonométrico

-Exposición magistral con apoyo visual de nuevas tecnologías

-Realización de ejercicios con programa de creación 3D

-Diseño de piezas complejas con formas básicas

-Coloquio (¿Qué han aprendido? ¿Qué dificultades han encontrado?

-Montaje de mueble de IKEA con las instucciones

5.2.3. Temporización y orden de realización de actividades

-Exposición magistral con apoyo visual de nuevas tecnologías : 25 minutos

-Dibujo de formas básicas(láminas): 25 minutos

-Realización de maquetas de objetos básicos(cartón): 50 minutos

-(Trabajo en grupo) Unión de maquetas para crear entidades más complejas, en concreto, para realización de un diseño de una portada de feria andaluza. (realizar en horario no lectivo: estimación 1 hora)

-Montaje de mueble de IKEA con las instucciones: 50 minutos

Al comienzo y al final de cada sesión

-Coloquio (¿Qué han aprendido? ¿Qué dificultades han encontrado?) : 5 minutos al comienzo y cinco al final

5.2.4. Evaluación

-Dibujo de formas básicas(láminas)

Se evaluará en función su correcta realización y su entrega en el periodo acordado, se valorará positivamente la de la precisión y la limpieza

-Realización de maquetas de objetos básicos(cartón)

Se evaluará en función su correcta realización y su entrega en el periodo acordado, se valorará positivamente la de la realización de figuras con mayor complejidad  y la limpieza

-(Trabajo en grupo) Unión de maquetas

Se evaluará en función del resultado final del diseño de la portada de feria, creatividad, figuras geométricas realizadas.

-Montaje de mueble de IKEA con las instucciones.

Se valorará la participación en su montaje, demostración de adquisición del lenguaje axonométrico y visión espacial.

-Coloquio

Se valorará la participación (búsqueda de información relacionada con la materia), el respeto por los compañeros, el turno de palabra y el planteamientos de dudas de interés.

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25
Feb
10

Posmodernidad 02: Preguntas tras documental

A continuación expongo las diferentes opiniones compartidas por los miembros de el grupo 2 de Dibujo sobre las siguientes cuestiones tras la visualización de un documental en el que se exponía el despido de un profesor de Arte tras declarar que no existía la Posmodernidad.

1. ¿Qué grado de afinidad y concordancia mantienes desde un punto de vista teórico con lo expuesto?

Creo al igual que el grupo 1 que no para poder alcanzar un conocimento “real” debemos dudar de la información que recibimos incluyendo la que posee un formato documental, como en este video.

Grupo 1:  El espectador participa, creen que no se puede confiar en las imágenes

Grupo 2: Todavía se mantienen metarrelatos

Grupo 3: Yo legitimo mi propio conocimento, generar autores es el fin de la educación.

2. Las artes vivien sumidas en una época de cambios (y la realidad en general) ¿Cómo está respondiendo la educación ante esta circunstancia?

Creo que la educación se ha ido modernizando, introduciendo nuevas tecnologías, pero no ha realizado grandes cambios; los métodos de exposición son ligeramente diferentes (ahora se usan powerpoint en vez de diapositivas), pero las clases magistrales siguen gobernando las formas.  Además existen una gran diferencia entre las teorías educativas y su aplicación.

Grupo 3: La educación utiliza los medios, pero no mantiene un espíritu crítico

Grupo 2: La posmodernidad no se trata igual en las diferentes universidades

Grupo 4: Detrás de la tecnología se siguen utilizando las mismas materias teóricas

3. ¿ Qué podrían ser prácticas educativo-artísticas “posmodernas”?

La introducción de tecnología en la creación (creación artística por ordenador), el fomento de la crítica artística, la enseñanza sobre el desarrollo estético, ya que éste puede ser más importante que la búsqueda de una idea que transmitir sin ese desarrollo ( los espectadores captarán la forma e intentarán adivinar el contenido, pero sin una estética adecuada, no se podrá transmitir dicho concepto)…

Grupo 5: Visión crítica del entorno visual, ampliación del concepto de Arte, introducción de nuevas técnicas, materiales, tecnologías…

Grupo 6: Dotar a los alumnos  de herramientas para qeu fomenten el espíritu crítico, nosotros no podemos diferenciarlo del todo.  Enseñar que no todo lo que se ve es real.

Grupo 4: Haciendo referencia a una canción de Kiko Veneno comentan: “sabiamos lo que queríamos pero no sabíamos cómo llevarlo a cabo”,

21
Feb
10

Didáctica de la Educación Artística, (Marín, R y otros)

Las ideas, los métodos y los ejercicios de dibujo en la escuela han cambiado mucho a lo largo de la historia

Antigüedad

Platón y Aristóteles realizan las  primeras reflexiones sobre el interés y la orientación de la educación artística. Con éstas marcan las cuatro disciplinas básicas: leer y escribir, gimnasia, música y dibujo.

La enseñanza del dibujo es necesaria porque tiene utilidades comerciales y otorga la capacidad de observar la belleza de los cuerpos.

Edad Media

Durante este periodo no se enseña arte en las escuelas, sino en talleres de trabajo, la manera de aprender era mediante prolongada experiencia imintando. El aprendizaje estaba relacionado con los materiales y la técnica, que eran valorados por encima de  la originalidad o la innovación.

Las academias de dibujo: del Renacimiento al Romanticismo.

Academias como la de Giorgio Vasari en Florencia que impartían una educación especializada y profesional, con nociones de geometría y copias de dibujo siguiendo una secuencia de aprendizaje.

El dibujo en la escuela: siglo XIX

El dibujo aparece como obligatorio en las escuelas primarias y secundarias.

Aparecen problemas en su enseñanza, ya que en este periodo no sólo se instruye a la élite, sino a todas las clases populares, pues era necesario  que la población  supiera leer y escribir,  asi como tener conocimientos de dibujo para trabajos cualificados.

En este espacio temporal el dibujo unicamente representa cosas reales, ya sea de forma artística o técnica.

En la enseñanza del dibujo se busca la exactitud, como búsqueda de la base del dibujo y refinamiento de la percepción visual

Primera Mitad del siglo XX

En este periodo se descubre el arte infantil, dejando de interpretarse su manera de dibujar como si fueran errores, empieza a estudiarse e interpretarse, y a considerarse un verdadero estilo artístico. Se fomenta su creación en las escuelas.

Un grupo de jovenes plantea la búsqueda de nuevos orígenes (búsqueda en otras culturas) para obtener nuevos resultados visales.

Segunda Mitad del siglo XX

La autexpresión creativa:

Tiene como objetivo un desarrollo pleno personal. Su objetivo no es la creación artística, sino el desarrolo y aprendizaje humano a través del arte. Se fomenta el desarrollo de la creatividad como principal diferencia con la enseñanza tradicional.

INSEA (Sociedd Internacional de Educación a través del Arte)

Fue creada por la UNESCO para regular la educación artística, enuncia tres fundamentos:

-Los conocimientos y tecnica pueden servir para desarrollo profesional, esparcimiento y apreciación de la belleza natural.

-Las artes son un factor para el desarrollo personal y conocimiento de la realidad

-El fomento de la educación visual es necesario para orientar la inteligencia y formar gustos.

También hace obligatoria la educación artística en primaria y aboga por la pintura o el modelado libres.

El lenguaje visual como modo de conocimiento

Arnheim define la percepción visual como un proceso cognitivo activo y complejo. Define la expresión artística como una forma de pensamiento, gracias a esto, a la semióticay a el desarrollo de los medios de comunicación se consideró a las artes visuales como un lenguaje.

Dondis propone los elementos básicos del lenguaje visual: el punto, la línea, el contorno, la dirección, el tono, e color, la textura, la proporción, la dimensión y el movimiento.

Elliot Eisner

El desarrollo artístico no viene determinado por la genética, sino que está influenciado por el entorno y la educación recibida

DBAE (La Educacón Artística Basada en la Disciplina)

Fue un proyecto educativo para la educación artística en primaria. Su objetivo era desarrollar las habilidades y conocimientos del alumno para comprender y apreciar el arte.

Los contenidos se distrbuían en cuatro disciplinas: estética, crítica, historia del arte y las diferentes modalidades artísticas.

La DBAE creía que las obras de arte debían ocupar un lugar central en la organización el currículo e integración de contenidos. El currículo debía ir aumentando su complejidad para mejorar la comprensión y la destrez reativa del alumnado. La educación artística tenía que ser impartida con regularidad y marcar los resultados que se deseaban alcanzar (personas capaces de comprender y debatir la información con un comportamiento correcto).

Debinieron el significado de creatividad como la capacidad para dar con respuestas innovadores a partir del conocimiento y las convenciones artísticas. Según la DBAE la mejor forma de desarrollar la creatividad era a través del conocimiento de las obras de arte.

Últimos años

Se han cuestionado dos puntos de la DBAE:

La importancia de las obras de arte como contenido nuclear del currículo y su dependencia de los ámbitos profesionales más establecidos desatendiendo las nuevas disciplinas emergentes.

Afinidad con la Educación Artística a lo largo de la historia

Me pareció interesante  comprobar que a lo largo de la historia de la educación artística, su enseñanza  como si de un péndulo se tratara ha pasado por altibajo, destacando su importancia en la antigüedad,  periodos donde no se consideraba su enseñanza en colegios como la edad media y nuevamente podemos ver su resurgimiento en la actualidad. Tambien debo destacar el aumento de grado de complejidad que va adquiriendo el currículo a lo lago de ésta (se pasa de interesarse por que el alumno consiga desarrollarse como creador estético a la búsqueda de su desarrollo persona).

Pros y contras de las distintas etapas

Antiguedad: Establece la utilidad profesional y personal de la educación, pero no piensa en el desarrollo personal del individuo.

Edad Media: A pesar de que plantea el modo de enseñanza, éste no se desarrolla en la escuela sino en los talleres, se plantea como un aprendizaje profesional, no deja posibilidad a la creatividad u originalidad, ya que se basa en la repetición

Renacimiento: al igual que en la edad media la enseñanza es con fines profesionales y siguiendo un método de repetición, aunque más elaborado, aya que este sigue una secuencia de aprendizaje. Se desarrolla en academias pero tampoco da posibilidad a la creatividad. Se introduce la geometría

Siglo XIX: También se produce con aspirciones laborales, aunque esta vez en las escuelas. Uno de los grandes logros de esta etapa, bajo mi punto de vista es la expansión de las clases escolarizadas.

Primera mitad siglo XX: Creo que el hecho de que en este periodo se tenga por primera vez en cuenta a los niños es un gran avance para la educación, también se descubre por primera vez la importancia de la motividad y la estimulación

Segunda mitad siglo XX: en esta mitad de siglo, surgen diferentes corrientes educativas, debo declarar que creo la búsqueda del aprendizaje como proceso y el desarrollo personal son las vitudes más remarcables de la autoexpresión creativa, pero esta deja de lado la importancia de la técnica como transmisora de sensaciones; también debo el papel de Eisner, ya que sin remarcar que la enseñanza es condicionada por el entorno y la educación en vez por la genéntica, sólo habría habido cabida para aquellos con un don para el arte.

En cuanto a la DBAE, es importante formar a los alumnos para que tengan capacidad crítica, creativa y niveles de comprensión, pero no debemos de olvidarnos de los puntos positivos de la autoexpresión creativa que ésta abandona, así como que centra demasiado su currículo en las obras de arte, como ya se le critica después.

Mi visión de la Ed. Artística en el presente.

Creo que la educación artística debería centrarse en el fomento del crecimiento personal de los alumnos, pues posibliemente sea la única capaz de lograrlo, por ello debemos fomentar su creatividad, sensibilidad, autoestima y visión crítica de la sociedad en la que vivien. Pero debemos olvidar nunca que para que los alumnos puedan llegar a expresarse antes deben tener las herramientas para lograrlo, en este caso es de vital importancia el desarrollo de las técnicas, aunque no también debe fomentarse el dibujo libre, ya que si no, estaríamos atando su imaginación y creatividad.

También considero de vital importancia que los alumnos tengan un acercamiento a la idea de arte actual, para que puedan ser participes en su creación y no lo consideren algo ajeno a sus vidas, sobre todo porque estan rodeados por él.


20
Feb
10

El Arte como Sistema Cultural (Clifford Geertz)

Según Cilford Geertz, hacer comentarios sobre el arte puede resultar difícil, ya que estos en sí son innecesarios, pues el arte no fue creado para significar, sino únicamente existir.

Aunque la mayoría de las personas sensibles, al situarse delante de una obra de arte sienten algo similar, difícilmente puede trasmitir ese sentimiento (lo visto en la obra); aunque es igualmente difícil quedarnos en silencio, pues las cosas que tienen un sentido para nosotros nos obligan a realizar teorías acerca de ellas. La inutilidad de las reflexiones rivaliza con la necesidad que tenemos de teorizar.

Estas reflexiones artísticas no están limitadas a occidente. Aunque si, es sólo en occidente donde una minoría defiende que el debate técnico es suficiente para obtener una comprensión del arte (el secreto del poder estético está en las relaciones formales). Otros  opinan que las concepciones derivan de sus contenidos culturales, “los medios pictóricos deben ser tanto más completos cuanto más profundo es su pensamiento (del autor)”. La opinión que un individuo o un pueblo tienen sobre la vida aparece en muchos ámbitos de su cultura y no sólo en su arte. Toda reflexión que no sea simplemente técnica pretende situar el arte en el contexto de otras expresiones de la iniciativa humana.

Existe un fracaso a la hora de documentar arte no-occidental a pesar de realizar intensos exámenes. Se considera que muchos pueblos no reflexionan sobre las propiedades formales, el simbolismo, los valores afectivos o los rasgos estilísticos de su arte. Esto es debido a que poseemos una idea diferente de lo que es reflexionar sobre estos temas y lo hacemos desde una concepción externa de la cultura. Matisse opinaba que “los medios de expresión de un arte y la concepción de la vida que lo anima son inseparables, no pudiendo comprender los objetos estéticos como concatenaciones de pura forma

En el origen de la sensibilidad característica artística participa el conjunto de la vida. Por lo cual podríamos decir  que estudiar una forma de arte significa explorar su sensibilidad, dicha sensibilidad se forma de manera colectiva y profunda como la existencia social que la provoca. Por lo que podemos afirmar que el poder estético no es una enfatización de  los placeres de las técnicas artísticas

La conexión fundamental entre el arte y la vida no se sitúa en el plano instrumental sino en el semiótico. Los signos se hallan conectados  ideacionalmente con la sociedad. Se podría argumentar  tanto que las experiencias sociales crean las condiciones implicadas en el arte como que el arte refleja las concepciones fundamentales de la vida social. El significado que poseen los signos o símbolos artísticos va en relación con su conexión con la sensibilidad en cuya creación intervienen. El significado de los signos proviene del papel que desempeña en la vida de la sociedad, ya que es la que le otorga dicho significado.

Para conseguir que la semiótica tenga un uso eficaz deberemos de renunciar a la concepción de los signos como medios de comunicación. (código descifrado -> idioma interpretado) Para ello tendremos que ejercitarnos en la significación  y tratar con ideas

La  capacidad para percibir el significado es un producto de la experiencia colectiva. A partir de la participación en el sistema general de las formas simbólicas que llamamos cultura es posible la participación particular que llamamos arte. Por lo tanto una teoría del arte es una teoría de la cultura. La capacidad de percepción de formas y contenidos no reside en la posesión de una sensibilidad especial, sino en la experiencia, obtenida a partir de lo vivido y lo concebido.

En cuanto al sentido de belleza, debemos decir que “no es menos un artefacto cultural que los objetos y mecanismos inventados para conmover dicho sentido.” Y aunque ciertos elementos de las capacidades detectoras son innatos, estos se introducen en la existencia real mediante la experiencia.

Tras una reflexión me surgen ciertas dudas como:  Si el arte va unido a la cultura de la que proviene,¿hasta que punto podemos hacer una valoración de dicho arte sin formar parte de dicha cultura? ¿qué validez tendrá dicha valoración? ¿ Tiene sentido la enseñanza artística sin una base sólida de histora del arte?

Por ello creo que todo acercamiento artístico a una cultura difederente tiene que ir unido a el conocimiento de su forma de vida, ritos, valores y motivaciones sociales.

19
Feb
10

Unidad Didáctica 01: Sobre la enseñanza de la Unidad didáctica

1. INTRODUCCIÓN

1.1 Contexto:

– De trabajo: barrio. Nivel socio-económico.

– Descripción del centro: La actividad se realizará en el Anexo de Bellas Artes situado en Gonzalo de Bilbao

– De ciclo y nivel: La actividad se realizará en el Master de formación de Profesorado de Secundaria, por lo que todos los alumnos serán licenciados o diplomados.

– De alumnado: Grupo formado por 58 alumnos mayoritariamente con edades comprendidas entre los 20-40. En su mayoría son licenciados en arquitectura , bellas artes o arquitectura técnica y  pretenden dedicarse en un futuro a la enseñanza.

– De aula: Se va a desarrollar en un aula con sillas fijas atornilladas al suelo y orientadas hacia un entarimado de  madera sobreelevado en el que se situará el profesorado.

1.2 Fundamentación:

– Planteamiento. Reflexión global y justificadora del tema propuesto.El correcto manejo de la Unidad Didáctica será fundamental para cumplir nuestras funciones como docentes.

El correcto manejo de la Unidad Didáctica es importante para la completa y ordenada función de enseñanza-aprendizaje que va a realizar en el futuro el alumnado de este máster

– Fundamentación teórica y punto de vista.

– Conexión interdisciplinar y transversal:  Con ella se aprenderá a organizar contenidos  para que los alumnos puedan comprenderlos en su totalidad el contenido de estas sea cual sea el campo para el cual estemos realizándolas.

2. OBJETIVOS

2.1. Generales:

Entender el contenido de una Unidad Didáctica y utilizarla para la práctica futura como docentes.

2.2. Específicos

• Dimensión apreciativa:

– Reflexionar sobre posteriores usos de lo que se está aprendiendo

• Dimensión productiva:

Aprender a realizar un mapa conceptual y una Unidad Didáctica.

• Dimensión senso-perceptiva:

• Ideas transversales:

– Fomentar capacidad de trabajar en grupo.

-Fomentando en el alumno la reflexión, el análisis, la síntesis y la creatividad.

3. COMPETENCIAS

Competencia cultural y artística.

Competencia social y ciudadana.

Competencia para aprender a aprender.

Competencia en comunicación lingüística

Autonomía e iniciativa personal.

4. CONTENIDOS

Conceptuales:

Explicación sobre significado de Unidad Didáctica

Procedimentales.

Realización de Unidad Didáctica y Mapa Conceptual

Actitudinales:

Debate entre los integrantes del grupo

5. METODOLOGÍA:

5.1. Características Generales

– Se realizará una exposición magistral de los contendidos teóricos, explicando a los alumnos los objetivos que se pretenden obtener. Dicha exposición será activa, participativa, integradora abierta y flexible. Para ello comenzaremos la exposición  realizando una serie de preguntas con las que se intentará conocer las ideas previas que los alumnos tienen sobre la Unidad Didáctica, propiciando la reflexión y motivando la participación.

La exposición irá apoyada con medios audiovisuales.

– Tras la exposición teórica los alumnos se organizarán en grupos 4 para fomenatar el trabajo en grupo y durante el tiempo que estén trabajando el profesor intentará coordinar las diferentes actividades que se realizarán.

5.2. Actividades

Reparto de ejemplos de Unidades didácticas para la realización de Mapa Conceptual

Realización de Unidad Didáctica sobre tema elegido por el grupo

– Exposición de la Unidad Didáctica realizada, en la que se debatirán los puntos conflictivos encontrados.

5.2.1. Temporización

Exposición magistral (profesor): 20 minutos

Mapa Conceptual: 10 minutos

-Unidad Didáctica: 20 minutos

-Exposición: 30 mintos

5.2.2. Evaluación

-El profesor hará de cada grupo para su coordinación en el que irá anotando la participación de cada alumno, posteriormente valorará la exposición y el aporte de ideas interesantes en el debate posterior.

15
Feb
10

Noción sobre “Arte”, “Artísta” y ” Manifestación estética”

Arte: Actividad o resultado de ésta, realizado por el ser humano con una intención estética a través de una técnica que le permite comunicar o expresar ideas o emociones.

Artísta: Individuo que participa en la creación del artística, creador de una obra.

Manifestación estética: Resultado de la creación artísitca, proceso por el cual el artísta plasma emociones o ideas mediante el uso de la técnica.

15
Feb
10

Historia y Teoría de la Educación Artística

Conceptos y Fundamentos Epistemológicos

A. ¿Cuál es tu visión de la Educación Artística?

Entiendo la Educación Artística como la enseñanza de un lenguaje compuesto por dos características: la técnica y los sentimientos del autor;  la creación de una mente crítica y la transmisión de los conocimientos necesarios para poder entender las diferentes corrientes artística a lo largo de la historia(historia del arte).

B. ¿Qué es un/a educador/a artistico/a?

Es el responsable de fomentar a los alumnos para que consigan expresarse artísticamente y generen de una mente crítica, poniendo a su alcance los medios necesarios: técnica y conocimientos históricos.

C. Reflexión en torno al concepto de “arte” y la manifestación estética

1. ¿Existe goce estético en estas imágenes?

Podría responder afirmativamente a esta pregunta si consiguiera separar el contenido de la imagen. Pero como he dicho antes en referencia al lenguaje artístico, en éste van combinados  los sentimientos del autor, y ello me impide poder ver la imagen sin pensar en el sufrimiento, lo cual se aleja mucho de la definición de goce.

2. ¿ Hasta que punto el arte es “patrimonio” cultural?

Según la Wikipedia Patrimonio Cultural es el conjunto de todos los bienes, materiales (tangibles) o inmateriales (intangibles), que, por su valor propio, deben ser considerados de interés relevante para la permanencia de la identidad y la cultura de un pueblo.Es la herencia cultural propia del pasado, con la que un pueblo vive hoy y que transmitimos a las generaciones futuras.

En referencia a esto, he de decir que el arte es patrimonio cultural. Sobre lo que deberíamos reflexionar es sobre hasta que punto el heredero de dicho patrimonio tiene derecho a destruirlo y no transmitirlo a las generaciones venideras.

3. ¿En que grado esta relacionado el arte con la belleza?

Creo que en otros períodos historicos el arte era un reflejo de los ideales de belleza, ya que las obras eran creadas para su exposición y admiración. Actualemente la creación no tiene porqué tener como meta alcanzar la belleza, sino que en la mayoría de los casos intenta transmitir una serie de ideas o conceptos mediante una técnica, que no tiene por que ser  un deleite para el sentido de la vista.

4. ¿Podemos considerar esto objeto artístico? ¿ y objeto estético?

Fotografía del “Cerro de los Siete Colores”, Purmamarca (Argentina)

No creo que se pueda considerar un objeto artístico, ya que nadie ha participado en su creación y por tanto no ha existido la intención de crear arte.

En cambio si puede ser considerado objeto estético, ya que su visión genera sensaciones en el espectador y percepción de belleza.

5. ¿Debemos plantear limites éticos en la creación artística?

Fotografías“Shoot”.1971. Chris Burden y “Body Worlds”. 1996. Gunther von Hagens.

No creo que haya que plantear unos limites ésteticos en la creación artística, sino que dichas creaciones deben ir regidas por los mismos límites éticos por los que está regida la conducta humana.

6. ¿Hasta qué punto es necesaria la técnica para que una obra esté considerada objeto artístico?

Fotografía “Los burgueses de Calais”.1886-88. Auguste Rodin.

La técnica artística es la “capacidad” para plasmar aquello que el artísta quiere transmitir. La posesión de técnica en mayor o menor medida no afectará a la consideración de la obra como objeto artístico, ya que esta consideración va unida a la intención del autor en su creación.

7. ¿ La originalidad (creatividad) es condición de la obra de arte?

Fotografía“Psycho”. 1998 . Gus Van Sant

Creo que toda aquella creación que el artista realice con la intención de crear arte será original, ya que parte de una intención creativa

8. ¿Existe una esencia en la obra artística o todo en ella depende de la cultura en la que se inscribe?

Fotografías “La Gioconda”. 1503-07 . Leonardo da Vinci y “L.H.O.O.Q.” 1919.Marcel Duchamp

Creo que existe un factor perdurable dentro de las obras artísticas, ya que a pesar de lo mucho que puedan haber cambiado las culturas, existe un factor común a todos los seres humanos, y puesto que estos son sus creadores, también lo poseerán las obras.

Esto no quiere decir que la valoración de éstas se mantenga constante a lo largo del tiempo, pero siempre habrá factores que los seres humanos de las diferentes épocas serán capaces de percibir.